WASHMuseespeintures

Vous aurez reconnu Warhol dans les deux sens ou dans les cinq: sa manière et son quadri-autoportrait.
Ce qui n'est malheureusement pas visible sur la photo ce sont les couleurs warholiennes: jaune citron et rose fuschia.
Je suis une inconditionnelle. Surtout des tableaux méconnus que je découvre au fil de mes voyages. L'expo à Lyon il y a deux ans était sublime.
Il a notamment peint des tableaux pour une crêche à New-York et l'accrochage est conçu à hauteur des yeux des enfants.
Cinglé mais génial. Je crois que je viens de faire un pléonasme.

Deux oeuvres d'un artiste ferrailleur.
j'ai trouvé l'installation magnifique dans cette grande salle mais je reconnais que la photo ne rend pas à l'identique de l'émotion suscitée sur le vif. Il y a tout un travail de rouille qui est trés beau sur la ferraille bleutée. Les zeuils aiguisés sauront voir l' intérêt de ces créations qui peuvent paraître du grand n'importe quoi pour les non-initiés à l'art brut.
Ils sont tout excusés car le concept est un peu particulier et dur à la digestion.

Un avion, qu'il soit volant ou seulement oeuvre d'art, il a toujours deux côtés.
Afin de vous prouver la véracité de mes propos, voici donc l'autre côté de l'oeuvre d'art non volante et difficilement volable.

Toujours dans la série, je cultive mes bloggers voici la bio de Romare Bearden dont une affiche à l'honneur d'animer les couloirs des toilettes du Musée d'Art Contemporain de Washington.
Pour voir d'autres oeuvres, demander à votre gentille petite souris de farfouiller dans un moteur de recherche sur Internet.

Romare Bearden (1911-1988), célèbre peintre afro-américain, a passé une grande partie de ses vingt dernières années sur l’île de Saint-Martin dans la Caraïbe. Mu par une volonté tenace de transcrire les nuances de couleurs et de lumières qui font lamagie de la Caraïbe, Bearden a produit pendant cette période de sa vie, qu’il décrivait lui-même comme la plus féconde de son œuvre, de somptueux collages et aquarelles.
Citadin de Harlem, doté selon Al Murray d’« une sensibilité jazz et blues », Romare Bearden est connu essentiellement pour ses collages explorant le monde du jazz et du Sud rural des États-Unis. Son œuvre a été honorée en 2003 d’une rétrospective à la National Gallery of Art. La dimension caribéenne, en revanche, n’avait encore jamais été explorée.
Sally Price et Richard Price se proposent dans cet ouvrage très documenté, écrit dans un style passionné et fluide, de montrer jusqu’à quel point cette expérience tropicale a influencé la vision du monde de l’artiste et son œuvre dans sa globalité.
Menant leur recherche comme une véritable enquête, les auteurs ont émaillé leur texte de nombreuses interviews d’amis de Bearden, tels que le poète Derek Walcott et l’écrivain Albert Murray. D’autres figures du monde intellectuel et artistique ont apporté leur contribution, parmi lesquels James Baldwin, Alvin Ailey, Ralph Ellison, Max Roach et Aimé Césaire.
Au fil des pages, offrant au regard de multiples reproductions des tableaux de l’artiste, ce livre d'art ouvre une fenêtre sur les différents thèmes de la période caribéenne de Bearden. Les « lieux enchantés » nous entraînent au cœur de forêts luxuriantes mettant en scène des nus féminins d’une extrême sensualité. Sa série « Rituals of The Obeah », très atypique dans l’œuvre de l’artiste, explore avec force l’un des mystères les plus profonds de la Caraïbe. Dans « Don’t stop the Carnival », Bearden, au seuil de sa vie, a insufflé dans des aquarelles saturées de couleurs et de mouvement les dernières forces d’une énergie vitale phénoménale.
Romare Bearden, une dimension caribéenne rend à cet artiste majeur une place résolument ancrée dans l’art américain du XXe siècle.

C'est un nouveau jeu de société entre les dames, les échecs et le jeu de go.
Il faut par contre être très grand pour pouvoir y jouer et être très fort pour soulever le pion. Mauvais joueurs s'abstenir.

Ca change du rhododendron à côté du porte-manteau.
Maintenant, c'est sûr, il faut avoir la place.

Les oeuvres qui vont suivre sont d'Alexander Calder.
Tout comme vous, en faisant mes recherches sur Internet pour vous instruire, je prends conscience de mes lacunes en croyant connaitre des créateurs parceque je connaissais quelques oeuvres et leur nom.
Par contre, contrairement à Rothko et Calder, je ne connais pas le nom des auteurs de toutes les oeuvres que j'ai photographiées dans ce musée.
Je suis désolée de vous décevoir en vous montrant ma face cachée laissée en jachère et je vous demande de ne retenir que le côté brillant exposé à la lumière.
Merci fidèles bloggers.

Alexander Calder est un sculpteur américain, né à Philadelphie en 1898 et décédé en 1976 d'une crise cardiaque, à New York où il était venu inaugurer une rétrospective de son œuvre.

Il était le fils de deux artistes. Ingénieur de formation, il a surtout réalisé des mobiles, assemblages de formes animés par les mouvements de l'air, des stabiles « la sublimation d'un arbre dans le vent » d'après Marcel Duchamp.

En 1923, il entre à l'Art Students League de New York où il étudie avec des peintres de l'École Ashcan comme John Sloan et George Luks. En 1924, il travaille comme illustrateur auprès de la National Police Gazette. En 1925, il réalise sur commande l'illustration des spectacles du cirque Ringling Bros. and Barnum & Bailey.

Il va se découvrir une fascination pour le thème du cirque qui débouchera sur son Cirque Calder, une performance où interviennent des figures faites de fil de fer et dans laquelle l'artiste joue le rôle de maître de cérémonie, de chef de piste et de marionnettiste en faisant fonctionner manuellement le mécanisme, le tout étant accompagné de musique et d'effets sonores. Le Cirque Calder se produira à Paris en 1926.

Il s'installa en France en 1927, où il fabrique des jouets et donne des représentations avec son cirque de marionnettes, en fil de fer et en bois articulés. Il entre en contact avec des artistes de l'avant-garde artistique parisienne comme Joan Miró, Jean Cocteau, Man Ray, Robert Desnos, Fernand Léger, Le Corbusier, Theo van Doesburg et Piet Mondrian en 1930 qui aura une grande influence artistique sur lui.Il abandonne la sculpture figurative en fil de fer qu'il avait pratiquée depuis 1926 pour adopter un langage sculptural entièrement abstrait

En 1931, il s'incorpore au groupe Abstraction-Création, qui se consacre à la non figuration. À la Galerie Percier, il expose une série d'œuvres abstraites faisant référence au monde naturel et aux lois de la physique qui le gouvernent. Construites en fil de fer et en bois, la plupart de ces œuvres évoquent la disposition de l'univers. Il commence aussi à construire des sculptures composées d'éléments mobiles indépendants entraînés par un moteur électrique ou par manivelle manuelle. En 1932, il expose trente de ces sculpures qualifiées de mobiles par Marcel Duchamp et qui marquent le début de sa carrière.

En 1943, le Museum of Modern Art de New York organise une première rétrospective, suivie en 1946 par une exposition à Paris préfacée par Jean-Paul Sartre, et en 1952, il obtient le grand prix de la Biennale de Venise.

En 1958, il réalise le mobile du siège parisien de l'UNESCO, dix mètres de haut, deux tonnes d’acier noir, cinq bras.

En 1962 il s'installe dans son nouvel atelier du Carroi, d'une conception très futuriste et dominant la vallée de la Basse-Chevrière à Saché en Indre-et-Loire. Il n'hésitait pas à offrir ses gouaches et de petits mobiles à ses amis du pays ; il fit même don à la commune d'un stabile trônant depuis 1974 face à l'église : une anti-sculpture affranchie de la pesanteur.

Il fit fabriquer tous ces stabiles et mobiles aux Ets Biemont à Tours, dont "L'Homme", tout en acier inoxydable de 24 metres de haut, commandé par l'International Nickel du Canada (INCO) pour l'Exposition Universelle de Montréal en 1967. La fabrication se faisait d'après la maquette réalisée par Calder, par le bureau d'étude pour concevoir à l'échelle réelle, puis par des ouvriers chaudronniers qualifiés pour la fabrication. Calder supervisait toutes les opérations, et modifiait si nécessaire l'œuvre.

Il collabora au projet de Hervé Poulain, "art cars", qui consistait à customiser un bolide pour les 24h du Mans. En firent de même Andy Warhol, César, Arman, Lichtenstein, Wolinski, Stella...

Il fut le plus français des sculpteurs américains, et avait le génie de transformer une tôle en œuvre d'art et une boîte de conserve en oiseau. Il a fait le lien entre le surréalisme, l'art abstrait et certaines des recherches les plus modernes, qu'il anticipa de trente ans.

Aérien ne voulait rien dire pour vous.
Je suis là pour vous apprendre ce mot du vocabulaire français que Calder a bien percuté.
Bravo maître des airs, vous qui auriez pu animer le ... désert.

Sculpture de Calder à 0%.
Toute en légèreté. Pas de sucre, pas de gras, que de la grâce.

Moi je peins les taureaux, il y en a qui savent les sculpter.
Vive l'élégance dans la fantaisie,... ou le contraire.
Olé Calder.